A Interpol recuperou as fitas roubadas das sessões Let It Be

O novo filme The Beatles Get Back é uma reinvenção do filme Let It Be de 1970 de Michael Lindsay-Hogg, que retrata os últimos dias dos Beatles no estúdio.

Mas não existiria sem as 55 horas de filmagens da banda, filmadas em 1969 por Lindsay-Hogg - e roubadas por um funcionário do estúdio dos Beatles na Apple em Savile Row, Londres.

Roubadas pelo Nigel Oliver - que vendeu a filmagem por £ 25.000 para dois comerciantes de música holandeses.

Mas, enquanto pesquisava seu documentário, o diretor Peter Jackson descobriu que, décadas antes, as fitas de vídeo haviam sido recuperadas pela Interpol.

A polícia encontrou documentos na casa de Oliver em Slough, Berkshire, o que levou a uma operação em um depósito na Holanda em 2003.

O neozelandês Peter, 59, disse à revista Vanity Fair: "Eles fizeram uma operação secreta em Amsterdã - e recuperaram todas as fitas, exceto 40. Havia cerca de 560 fitas de um quarto de polegada.

"Conseguimos encontrar um pouco desse som [das 40] por meio de outras fontes."

Em 2006, um tribunal condenou Oliver a uma ordem de supervisão de dois anos por lidar com bens roubados.

O falecido Neil Aspinall, então chefe do espólio da Apple, disse ao tribunal: "Há muitas coisas e músicas muito desconhecidas lá que eles não teriam gravado em uma sessão normal."

Peter disse que a edição de dois anos de seu documentário demorou oito vezes mais do que um filme de Hollywood devido ao vídeo e áudio do material desenterrado estarem em fitas não sincronizadas separadas.

Ele explicou: "Eles usaram apenas duas câmeras de 16 mm ... nenhuma claquete e o áudio estava fora de sincronia. Eu tive que combinar tudo."

The Beatles: Get Back será exibido na Disney + durante três noites nos dias 25, 26 e 27 de novembro

source: Express UK

Paul McCartney acha que John Lennon adoraria usar o Auto-Tune

John Lennon faleceu 17 anos antes da invenção do Auto-Tune em 1997, mas se você está curioso para saber o que o falecido frontman dos Beatles teria pensado em usar a tecnologia em sua música, aparentemente ele teria gostado muito.

Sabemos disso graças à série de documentários do produtor Mark Ronson "Watch the Sound" para Apple TV +, em que entrevistou o filho de Lennon, Sean Ono Lennon, e executou alguns dos vocais de John através de Auto-Tune e um harmonizador digital para criar um, ainda som familiar.

O parceiro de composição de John Lennon, Paul McCartney, disse a Ronson no primeiro episódio de "Watch the Sound" que ele acha que John teria realmente adorado brincar com o Auto-Tune. “Eu diria que, se John Lennon tivesse uma oportunidade, ele teria superado tudo”, disse McCartney. “Não tanto para consertar sua voz, mas apenas para brincar com ela.”

McCartney destacou que os Beatles estavam freqüentemente abertos a ideias não ortodoxas quando se tratava de criar música e eram conhecidos por estarem à frente do tempo musicalmente. Lennon também sempre se interessou pela ideia de como criar um som único sobrepondo diferentes amostras umas sobre as outras para criar uma paisagem sonora envolvente e às vezes impressionante. No episódio dois de "Watch the Sound", McCartney discute isso e observa que em "Tomorrow Never Knows" do álbum "Revolver" de 1966 da banda, eles usaram técnicas de looping de vanguarda para incluir sons de gaivota e ruídos diários na música.

“Sim, Auto-Tune, eu o usaria”, disse McCartney sobre seu trabalho solo mais atual. “Se eu fiz um vocal que não acho que seja tão bom ... 'ah, vamos, vamos continuar', por que não?”, Disse ele.

Auto-Tune foi criado em 1997, e o primeiro uso dele em uma música mainstream foi o hit de Cher de 1998, "Believe", fora do álbum com o mesmo nome.

O criador da tecnologia, Dr. Andy Hildebrand, percebeu, após anos de trabalho em tecnologia de sonar subterrâneo, que poderia usar a mesma tecnologia de mapeamento para mapear a garganta humana e corrigir digitalmente o tom. Tudo começou com Cher e, bilhões de canções de sucesso depois, aqui estamos hoje.

Até o filho de Lennon, Sean, concordou que Lennon provavelmente teria adorado a invenção se ele estivesse por perto para usá-la. “É definitivamente verdade que meu pai não gostava de sua voz sozinha, como uma única voz”, disse Sean a Ronson. “Parte disso é porque ele encontrou todos aqueles efeitos de fase, porque ele estava sempre tentando encontrar uma maneira de fazer sua voz soar melhor para ele.

Ronson executou os vocais na faixa "Hold On" de John Lennon em 1970 (que ele gravou com a Plastic Ono Band) por meio do Auto-Tune e, honestamente, parecia muito estranho. Depois de tentar a voz de robô para Lennon, Ronson usou um software de harmonização digital e colocou mais camadas dos vocais originais de Lennon na música, e até mesmo Sean admitiu que parecia "muito legal, cara ... você está trazendo-o para 2021."

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“Ele sempre não estava apenas acompanhando a tecnologia, mas os Beatles e meu pai, eles estavam sempre na vanguarda do que estava acontecendo”, acrescentou Sean. “Tenho certeza de que ele teria tentado o Auto-Tune.”

Assista ao episódio 1 de “Watch the Sound with Mark Ronson” sexta-feira, 30 de julho na Apple TV +.

Comentário:

O Auto-tune torna todo desafinado num perfeito cantor!

source: Yahoo

George Harrison - Isn't It A Pity (Take 27) VIDEO

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Os Beatles em áudio espacial: O produtor Giles Martin fala sobre como tudo funciona

“É como se alguém que você ama há anos tivesse um corte de cabelo ligeiramente diferente”, diz Giles Martin. "E você percebe que ainda os ama." O produtor está falando sobre seus remixes dos Beatles, que estão disponíveis em sua forma mais expansiva na Apple Music desde junho, quando o serviço lançou seu recurso de áudio espacial baseado em Dolby Atmos. À medida que mais ouvintes do que nunca, encontram as mixagens do Sgt.Pepper’s Lonely Hearts Club Band e Abbey Road (que passa a ser uma das mais impressionantes vitrines de áudio espacial de qualquer artista), ele mergulhou nas maravilhas técnicas e nos desafios do som tridimensional, explicou por que a versão atual do Sgt. Pepper não vai durar muito mais tempo e muito mais.

Sgt. Pepper's foi o primeiro mix do Atmos que você fez. Como foi esse processo?

Sgt. Pepper's, como está sendo apresentado agora, na verdade vou mudar isso. Não parece muito certo para mim. Já está disponível na Apple Music. Mas vou substituí-lo. É bom. Mas não está certo. Sgt. Pepper's foi, eu acho, o primeiro álbum mixado em Dolby Atmos. E fizemos isso como uma apresentação teatral. Gostei da ideia dos Beatles serem os primeiros a fazer algo. É legal que eles ainda possam ser os primeiros a fazer algo. Então Sgt. Pepper’s é uma mixagem teatral que é então convertida em um meio menor. Portanto, não está certo. Vou voltar à mixagem teatral e transformá-la no que é chamado de campo próximo Dolby Atmos, em oposição ao cinema Dolby Atmos. É um pouco brilhante. É um pouco digital. Mas, novamente, vou substituí-lo, então isso é legal.

Abbey Road parece um pouco melhor. Há algo um pouco flutuante sobre a maneira como o Sgt Pepper está soando agora.

Parece que falta um pouco de baixo e um pouco de peso por trás dele. Abbey Road é uma mixagem muito melhor em Dolby Atmos porque está muito mais próxima da mixagem estéreo, sonoramente.

Presumo que você comece com a mixagem estéreo e depois prossiga para o multi-canal, certo?

Começamos com o estéreo. Acho que o áudio envolvente deve ser uma expansão do campo estéreo, de certa forma. Gosto da ideia de um disco de vinil derretendo e você está caindo nessa. Essa é a analogia que gosto de usar. E se você tem muitas e muitas coisas ao seu redor o tempo todo, pode ficar um pouco irritante e confuso, dependendo do que a música é. Se for EDM (Electronic dance music), obviamente está bem. Mas o interessante sobre áudio envolvente é que há um ponto central nisso. Então é quase como mono, mas expandido. É como comer um pedaço de caramelo e esmagá-lo com um martelo e todos os pedaços quebrados ao seu redor. E se você não tem um ponto focal, se você não coloca sua bateria no centro ou os vocais no centro, você realmente não tem uma sensação de imersão. É um pouco como uma sala James Turrell, onde você está apenas nesta sala incolor.

E nós somos, por natureza, indivíduos voltados para o futuro que não gostam de muitas coisas se arrastando atrás de nós. Se você tiver muito som vindo atrás de você, vire a cabeça. Eu sou criticado às vezes por não ser expansivo o suficiente com essas mixagens, mas é o que eu acredito. Eu gosto da ideia de cair no disco ao invés de apenas ser circulado.

Parece que há algo muito legal acontecendo com o vocal de John Lennon em "Day In the Life" na mixagem do Atmos, onde parece que a reverberação está atrás de você.

Com mixagens dos Beatles, porque temos, suponho, o dinheiro para fazê-lo e o luxo de tempo, o que eu e o [engenheiro] Sam Okell tendemos a fazer, ao contrário de usar efeitos digitais, é colocar os alto-falantes de volta no estúdio Dois [o espaço da Abbey Road onde os Beatles gravaram originalmente]. E vamos regravar a voz de John no Estúdio Dois, então o que você está ouvindo são os reflexos da sala em que ele está cantando. Isso traz o vocal para mais perto de você.

Quais são alguns dos seus momentos favoritos nas mixagens do Abbey Road em Dolby Atmos?

“Because” são três faixas de vocais, três faixas de três Beatles cantando juntos. John, Paul e George cantaram harmonias juntos e então fizeram isso três vezes. Também colocamos isso de volta no estudio dois. Você consegue criar este belo campo sonoro que o envolve e você cai nele. Parece sobrenatural.

“Sun King” é um exemplo interessante, porque você tem os grilos nas costas. E então a guitarra no disco [original] gira da esquerda para a direita. Mas agora em Dolby Atmos, eu empurrei o campo sonoro mais longe para que ele venha para o seu lado e circule. Você está lidando com um álbum que existe há 50 anos e que todo mundo adora, e ninguém disse que soava mal. Portanto, é um trabalho um pouco complicado. Mas o que eu gosto de fazer é seguir o que eles queriam fazer. Eles fizeram uma panorâmica, então eu acompanho a panorâmica, mas nós fazemos uma panorâmica ao seu redor, ao invés de apenas um lado a outro. E esse é um bom exemplo de áudio envolvente.

Em "I Want You (She's So Heavy)", você tem o órgão na parte traseira direita. É simples, mas muito impressionante.

Sim, funciona bem na parte de trás. E então, é claro, há aquele ruído branco nessa música que dura anos. Temos isso girando ao seu redor. Sim, isso se move. E de novo, se eu tivesse todo o álbum rodando por aí, provavelmente faria você se sentir um pouco enjoado. É como estar em um tornado - você precisa estar parado para sentir o tornado. Se você estiver no tornado, estará apenas girando e girando. Você quer ficar parado para poder sentir o vento ao seu redor.

Eu ouvi alguns mixes de músicas clássicas do Atmos em que o vocal é mais direto do que nunca, e você de repente percebe que o vocalista estava realmente agudo naquele dia. Ele expõe falhas. Como você evita isso?

Eu concordo com você, e a questão é que é um pouco como fazer uma autópsia, onde você abre o corpo e mostra as partes separadas. Às vezes, você começa a ouvir discrepâncias de sintonia que não sabia que existiam. E parte dessas discrepâncias é o que tornou o disco excelente antes, então elas não devem ser ajustadas. Portanto, nunca ajustamos a coisa ou corrigimos erros de tempo ou qualquer coisa assim. Não é meu trabalho. E se você tem um bit de áudio direto saindo de um único alto-falante, você começa a ouvir o alto-falante e não o campo sonoro. Tentamos ser menos discretos com o vocal. Na verdade, nós realmente não colocamos os vocais no centro. Costumávamos nos velhos tempos. Nós não fazemos mais. Temos a tendência de mixar o som, então é mais como uma pintura de Monet. Música é assim, você sabe: quando você tem uma bateria ou um cantor na sua frente, você não necessariamente ouve diretamente assim. Você os ouve juntos em um espaço.

Você nem sempre coloca a bateria no centro, certo?

Depende de qual é a faixa, para ser honesto com você. Especialmente com coisas anteriores dos Beatles, onde você tem quatro faixas. Se, em "Day in The Life", você colocasse a bateria no centro, você teria que ter o baixo, a bateria e o vocal no centro, e todo o resto no lado esquerdo. Além disso, no caso dos Beatles, por causa da natureza do jeito que Ringo é como baterista ... Ele é mais um baterista de partes, um baterista de música, ao invés de apenas um baterista de ritmo. Então, quando as músicas estão sendo conduzidas pela bateria, elas devem estar no centro, mas quando ele é como um percussionista ... Em "Day in The Life", o centro é a voz de John, ou a voz de Paul no meio, e o resto do mundo está envolvido nisso.

Qual é o mecanismo real para colocar peças no campo sonoro? Acho que as pessoas podem imaginar quase um joystick.

Antigamente, quando eu estava fazendo o show Love [em Las Vegas] e o álbum Love, eu tinha um joystick. Mas agora, na verdade, tenho um mouse. Eu quero meu joystick de volta! Basicamente, você está olhando para um quadrado tridimensional onde pode ver o interior e tem um ponto e pode movê-lo nesse espaço. E então você também pode aumentar ou diminuir esse ponto para que ele se dissipe entre os alto-falantes.

O Abbey Road Studios possui um software que permite essencialmente fazer a engenharia reversa de uma faixa antiga de áudio com vários instrumentos e separá-la em faixas individuais. Você usou isso no documentário de Ron Howard, Eight Days a Week, e no álbum The Beatles: Live At The Hollywood Bowl, certo?

Sim, no Hollywood Bowl eu tirei a multidão [barulho] e então eu meio que coloquei a multidão de volta. Com o software de separação de fontes, preciso ter certeza absoluta de que ele não prejudica o áudio de forma alguma. Com coisas como o Hollywood Bowl, para ser honesto, o áudio é bem crus de qualquer maneira. Na verdade, estava fazendo o áudio soar melhor, porque eu estava reduzindo os gritos. Acho que se você comparar com o lançamento do Hollywood Bowl que meu pai teve que trabalhar nos anos 70, é muito melhor.

O software está ficando muito melhor. Estou constantemente procurando como faríamos isso se algum dia eu conseguisse [remixar] Revolver ou Rubber Soul, primeiros álbuns, que muitas pessoas querem que eu faça. Esse é um bom exemplo de "Como fazemos isso?" Como posso ter certeza de que o vocal de John ou Paul não está apenas no alto-falante direito, mas também de que sua guitarra não o acompanhará se eu colocá-la no centro? Em “Taxman”, a guitarra, o baixo e a bateria estão todos na mesma faixa! É por isso que o disco está basicamente no lado esquerdo, e há um shaker no lado direito do centro.

Portanto, você deseja esperar que o software de separação da fonte continue a melhorar.

Isso mesmo. Apesar dos pedidos constantes que recebo no Twitter ou qualquer outra coisa para fazer esses álbuns, quero ter certeza de que podemos fazer um bom trabalho e um trabalho benéfico. Você tem que ter certeza de que está fazendo as coisas no momento certo para a tecnologia.

O que você acha da experiência do Atmos com fones de ouvido? Porque no final das contas é uma emulação de um sistema real de vários alto-falantes.

Houve um crescimento exponencial na tecnologia de áudio espacial para fones de ouvido, o que aconteceu em um espaço de tempo incrivelmente curto. Eu diria que há dois anos, era inaudível. E agora é uma boa experiência. O interessante é que só vai ficar melhor. Acho que estamos bem no começo disso. E acho que o que podemos fazer é criar intimidade com a música. Você pode ouvir a diferença com áudio espacial. Pode nem sempre ser melhor, mas há uma diferença. Acho que estamos aprendendo as ferramentas para oferecer essa diferença para as pessoas. O que é ótimo é que isso cria um ambiente de audição mais enxuto, onde você está prestando atenção nele, em vez de apenas ter o áudio sendo reproduzido em sua cabeça para impedi-lo de pensar.

O áudio espacial em fones de ouvido é extremamente variável, dependendo do tamanho de sua cabeça e da forma como seu pescoço fica em seus ombros. O local de onde percebemos o som que vem varia de acordo com nossa estrutura óssea física. Então eu acho que o que vai acontecer, o que está acontecendo, é que haverá muito reconhecimento facial, medidas corporais instantâneas, teste de pressão com fones de ouvido. Essa tecnologia vai melhorar. Ele se tornará mais personalizado para você como uma experiência de fone de ouvido. Além disso, como você sabe, eu trabalho com a Sonos, sou o chefe de experiência de som da Sonos. Então, estou envolvido na experiência de ouvir em voz alta. Há um grande esforço da Sonos e de outras empresas para tentar criar campos sonoros envolventes a partir de caixas únicas ou múltiplas, e a Dolby também está fazendo isso.

Você pode começar a explicar o que está acontecendo em um nível técnico quando ouvimos uma aproximação do Atmos nos fones de ouvido?

É tão complicado. Basicamente, se você pensar bem, estamos ouvindo apenas um sinal estéreo. Mas nossos cérebros pensam que não estão. A melhor maneira de pensar sobre isso é que eles estão tentando descobrir como processamos o som direcional, por meio de fase, equalização, por meio de diferentes alinhamentos de tempo, que enganam nosso cérebro.

Parece relacionado a como as gravações binaurais funcionam, onde microfones duplos colocados em aproximação de ouvidos humanos significam que você percebe uma sensação de dimensão quando você escuta de volta.

É exatamente a mesma coisa. É binaural. Você tem dois ouvidos, mas não ouve em estéreo. Você ouve em três dimensões. Então, o que todos estão tentando fazer é tentar criar esse espaço tridimensional em seus dois ouvidos antes que chegue ao seu cérebro.

source: Rolling Stone

O single Bangla Desh de George Harrison completa 50 anos

"Bangla Desh" é uma música escrita e lançada por George Harrison em 28 de julho de 1971 como uma forma para chamar atenção ao mundo para ajudar ao Paquistão Oriental,como era chamado anteriormente que tinha sido desvastado por um ciclone e havia uma guerra.

A inspiração veio quando Ravi Shankar foi conversar com George falando do assunto e pedindo que deveriam fazer algo para ajudar.

O single foi lançado em um período de grande sucesso de George Harrison depois do aclamado disco triplo All Things Must Pass.

O single se tornou um hit top dez no Reino Unido e em outros lugares na Europa, e chegou ao número 23 na América Billboard Hot 100. A gravação foi co-produzida por Phil Spector e apresenta contribuições de Leon Russell, Jim Horn, Ringo Starr e Jim Keltner. A sessão de Los Angeles para a canção marcou o início de duas associações musicais marcantes na carreira solo de Harrison, com Jim Keltner e Jim Horn.

História

Na primavera de 1971, George Harrison tinha se estabelecido como o ex-Beatle mais bem sucedido como artista solo,graças a ajuda de amigos que acumulou na comunidade musical e invés de continuar,decidiu retribuir os favores aos amigos e músicos que ajudaram a tornar o álbum um sucesso tão grande.Durante esse período deu uma canção a esposa de Phi Spector,Ronnie Spector e ajudou a produzir.Também ajudou na música e produziu o single "It Don't Come Easy" de Ringo Starr.Contribuiu com Bobby Whitlock,tecladista da banda Derek and the Dominos de Eric Clapton e o amigo Gary Wright da banda Spooky Tooth.

Ficou bem ocupado no projeto do filme Raga sobre a vida e a música de Ravi Shankar produzindo a sua trilha sonora sendo distribuida pela Apple Records e ainda produziu algumas sessões de gravações com Badfinger em abril e junho de 1971.

Ravi Shankar visitou Friar Park para falar com George sobre os problemas que estavam acontecendo no Pasquitão Oriental,''George, esta é a situação, Eu sei que não lhe diz a respeito, eu sei que você não pode identificar. Mas enquanto eu conversei com George ele estava muito profundamente comovido ... e ele disse: 'Sim, eu acho que vou ser capaz de fazer alguma coisa.'" disse Ravi para a revista Rolling Stone.

Durante 6 semanas frenéticas,George voou para Nova York,Londres e Los Angeles recrutando amigos e músicos para participarem do Concerto para Bangladesh e pediu alguns conselhos ao amigo John Lennon.

Gravação

A informação não é muito certa do local da gravação que pode ter acontecido no estúdio Record Plant em 04 ou 05 de julho de 1971 com Phil Spector ajudando na produção.A banda era composta por

George Harrison, Leon Russell (piano), Jim Horn (saxofones) ,Klaus Voormann (baixo),Ringo Starr, Jim Keltner (ambos na bateria) e Billy Preston (órgão).

A música começa com um pedido de George ao som do piano de Leon Russell com as palavras "Agora estou falando a todos você//Para ajudar-nos a salvar algumas vidas"

Foi a primeira vez que George trabalhava com Jim Keltner e Jim Horn que iria durar até os últimos trabalhos.

Poster promocional

Lançamento

Por insistência de Harrison, a Capitol Records, distribuidora da Apple nos Estados Unidos, definiu todas as quatros de suas fábricas para a produção de cópias do single "Bangla Desh" ; de um lado, os discos promocionais tiveram etiquetas brancas também que foram apressados para garantir a execução imediata da música nas rádios.

Para a capa do single americano o desenhista Tom Wilkes escolheu uma imagem adequadamente tópica, incorporando manchetes e textos do New York Times sobre a crise em Bangladesh crise.Os artigos fazem menções de abutres como os "mais felizes das criaturas".A capa de trás do single americano mostra uma mãe que consola seu filho morrendo de fome,Esta foto foi também usada em campanha de publicidade do projeto de auxílio,bem como para a frente da capa do single na Dinamarca e Japão.

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Com a música "Deep Blue" no lado B foi lançado em 28 de julho de 1971 nos Estados Unidos e 30 de julho de 1971 no Reino Unido.Depois do seu lançamento,até mesmo os jornalistas ocidentais que cobriam a guerra civil no Paquistão Oriental ainda não estavam usando a palavra 'Bangladesh'

A música foi lançada na coletânea The Best of George Harrison de 1976,bonus da coleção Apple Years 1968–75 e bonus no relançamento do disco Living in the Material World de 2014.

O single Deep Blue de George Harrison completa 50 anos

"Deep Blue" é uma música escrita e lançada por George Harrison como lado B do single Bangla Desh em 28 de julho de 1971.

Harrison escreveu a canção em 1970, no meio das sessões de gravação para o All Things Must Pass, e gravou em Los Angeles no ano seguinte, enquanto se organizava para o Concerto para Bangladesh.

A composição foi inspirada pela condição de deterioração de sua mãe, Louise, antes dela morrer de câncer em julho de 1970, e por sentimentos de impotência de George Harrison quando ele a visitou no hospital no norte da Inglaterra. Dado o assunto de suas letras, "Deep Blue" também serviu para transmitir o sofrimento dos milhões de refugiados em Bangladesh que foi devastado pela guerra em 1971, como a doença que se tornou generalizada entre os seus acampamentos improvisados ​​no norte da Índia.A música foi muito popular nas rádios dos Estados Unidos chegando no nº 23.

História

A inspiração de George Harrison para escrever "Deep Blue" foi a doença fatal de sua mãe, Louise.O mais novo de seus quatro filhos,Harrison visitava frequentemente sua mãe que incentiváva a sua carreira musical desde do início, e um senso da individualidade em geral.

Harrison falou sobre a canção em uma entrevista de 1987 para a revista Musician, durante o qual ele lembra que sua mãe desenvolveu um tumor cerebral tarde, em 1969, mas depois se recuperou durante sete meses.Depois de ouvir do diagnóstico inicial em setembro de 1969, Harrison cancelou uma sessão de gravação com Jackie Lomax para vê-la;O autor Peter Doggett comenta que, por causa da gravidade desta notícia, Harrison, mais tarde, não lembrava de como ele ouviu da decisão de John Lennon em deixar os Beatles, em 20 de Setembro.

Em sua entrevista para revista,Harrison diz que ele escreveu "Deep Blue" "em casa em uma manhã exausta" durante este período

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Gravação

Harrison gravou "Deep Blue", em Los Angeles, no West Record Plant, em 4-5 de julho de 1971 ao organizar os shows beneficentes que seriam realizados no Madison Square Garden, em Nova York,em 01 de agosto.Os músicos que gravaram foram George nos violões e vocais com Klaus Voorman no baixo e Jim Keltner na bateria

Só foi lançada oficialmente em CD no relançamento do álbum Living At The Material World como faixa bonus.

Gravações dos Beatles serão preservadas em um cofre à prova de bomba por 1.000 anos

Em algum lugar entre a Noruega e o Pólo Norte, há um lugar - e esse lugar é uma ilha, onde um cofre será instalado para "armazenamento digital à prova do futuro" para música, incluindo a dos Beatles. O repositório do Juízo Final tem como objetivo preservar as gravações por pelo menos 1.000 anos.

O Elire Management Group, com sede em Oslo, é a empresa por trás do cofre dedicado à preservação cultural no sentido mais literal, relata a Billboard. Ele está planejando que a cripta seja "construída para suportar o tipo de pulsos eletromagnéticos extremos que poderiam resultar de uma explosão nuclear, que poderia danificar permanentemente equipamentos eletrônicos e causar estragos em arquivos digitais".

Os Beatles não são o único auge da realização musical a ser homenageado com esta cápsula do tempo à prova de apocalipse. Elire está se unindo ao International Music Council para selecionar a música que será armazenada. Eles planejam envolver o público em geral, com o objetivo de selecionar "as mais preciosas e amadas" gravações de todo o mundo - uma lista que atualmente também inclui música indígena australiana, de acordo com a Billboard.

No entanto, os respectivos proprietários dos direitos autorais devem conceder permissão para que qualquer música seja armazenada no cofre.

O presidente do IMC (International Music Council) disse em um comunicado: "Trata-se de salvaguardar o futuro da música tendo esses arquivos do passado."

Elire também aspira eventualmente tornar o arquivo musical acessível aos ouvintes.

source: Exclaim!

John Lennon disse que estava "zombando" na música ‘Baby, You’re a Rich Man’

Os Beatles eram bem engraçados com um grande senso de humor e passavam isso nas suas músicas,como John Lennon até revelou que uma dos Beatles era "uma canção meio zombeteira". 

Quando Jonathan Cott entrevistou John para a Rolling Stone em 1968, Cott discutiu como os Beatles costumavam distinguir entre amigos e amantes em sua música. Por exemplo, ele observou o uso da palavra “baby” em “Baby You Can Drive My Car” - o que deixou claro que a música era sobre uma amante. Ele comparou essa letra com o uso da palavra "friend/amigo" em "We Can Work It Out.". Cott também opinou que algumas bandas usavam o termo “baby” de forma degradante, mas não os Beatles.

"Sim, não sei por quê", disse John. “É a parte do Paul que -‘ Buy you a diamond ring, my friend/Compre um anel de diamante, meu amiga ’- é uma alternativa ao baby.” Para contextualizar, a linha "Compre um anel de diamante para você, meu amiga" é de "Can’t Buy Me Love". “Você pode interpretar logicamente da maneira que entendeu”, acrescentou John. “Veja, eu realmente não sei. A sua maneira de ver as coisas é tão verdadeira quanto qualquer outra. Em ‘Baby, You’re a Rich Man’, a questão era, pare de reclamar, você é um homem rico e todos nós somos ricos, heh heh, baby! "

Cott perguntou se "Baby, You’re a Rich Man" é "uma canção meio que zombando". “Bem, todas ficam um pouco assim, porque há tudo isso nela, esse é o ponto”, acrescentou John. “À medida que as escrevíamos ou cantávamos isso acontece, você sabe. E em takes diferentes, apenas a inclinação da sua voz mudará o significado das letras, e é por isso que depois de tê-las feito é que realmente vemos o que são. A essa altura, o peso está sobre ela. "

source: Cheat Sheet

Paul McCartney e Beck no video Find My Way

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Richard Lester fala sobre os Beatles como atores em A Hard Day’s Night

Paul McCartney estrelou ao lado de seus companheiros de banda o primeiro longa-metragem dos Beatles, A Hard Day's Night. O diretor do filme, Richard Lester, confessou que ele "se esforçou demais" ao atuar no set. Por outro lado, Lester elogiou George Harrison por suas performances quase sem esforço.

O filme dos Beatles, A Hard Day’s Night, foi um grande sucesso para a banda e até recebeu indicações para prêmios. O filme foi lançado em 1964 e contou a história fictícia da banda lutando para organizar suas vidas em torno de uma performance ao vivo na TV. A banda também foi atingida por obstáculos como hordas de fãs apaixonados perseguindo-os e o avô trapalhão de Paul McCartney. Anos depois, o diretor do filme, Lester, revelou o que pensava de cada um dos membros da banda e como era filmar com Paul.

Sobre a projeção dos produtores para o futuro da banda, Lester disse: “A ideia do filme veio do departamento de cinema da United Artists no início de 1964, e eles disseram que só fariam se fosse barato e em preto e branco e se pudéssemos terminar em julho. Eles pensavam que os Beatles seriam uma força esgotada no final do verão. ”

Ele acrescentou: “Antes de começarmos a filmar os Beatles, fizemos The Ed Sullivan Show nos Estados Unidos e o mundo mudou, então, quando se tratou de fazer o filme, já estávamos lucrando com as encomendas da trilha sonora do álbum. Ninguém nunca tinha ouvido falar de tal coisa. ”

Ele continuou dizendo que suspeitava que uma toupeira na equipe de produção do filme estava vazando informações para os fãs. “Sempre que tínhamos permissão da polícia para filmar em uma rua, milhares e milhares de fãs apareciam. A polícia, então, rasgaria a permissão e teríamos que encontrar outro lugar para fazer os dois. Mesmo antes das mídias sociais, as pessoas sabiam de tudo e podiam rastrear suas bandas favoritas. Nunca estávamos filmando em um local favorito, apenas tínhamos que filmar o máximo que pudéssemos antes de sermos vistos. ”

O diretor disse ao BFI em 2012: “Acho que o problema de Paul, ele era tão entusiasta do cinema, do cinema, da arte, do zeitgeist - o que estava acontecendo - que às vezes atrapalhava.

“Acho que Paul se esforçou mais do que deveria.”

Enquanto Paul precisava de melhorias, Lester elogiou George Harrison e suas habilidades de atuação surpreendentemente boas.

Ele disse: “George, eu acho, foi o ator mais eficaz do começo ao fim.

“Ele tentou menos, mas sempre acertou bem no meio, e eu sempre soube o que conseguiria com George.”

O diretor também falou abertamente sobre como trabalhar com John Lennon.

Embora ele tenha um bom desempenho no set, Lester confessou que recebeu algumas palavras ásperas durante as filmagens.

John Lennon, entretanto, "tinha algumas palavras cortantes para mim às vezes" e disse que havia preocupações de antemão sobre a cena solo de Ringo Starr, filmada ao longo do Tamisa perto de Kew Gardens, mas Lester não duvidou por um momento que o baterista poderia fazer o que foi perguntado a ele.

Ele disse: “John não era conhecido por aturar tolos, e provavelmente eu caí na categoria de tolos."

“Ele estava sempre disposto a espetar a pompa em torno dele, e acho que não pode haver pessoa mais pomposa no set do que o diretor.

“Então, eu tenho feridas. Mas tenho uma admiração muito, muito grande por John. ”

Apesar de suas palavras cruzadas, Lester acrescentou que eles mantiveram um forte relacionamento bem depois que as filmagens terminaram.

Ele disse: “Acho que posso aceitar todas as suas críticas [porque] foram feitas com o melhor gosto possível.

“Espero ter estabelecido um relacionamento com todos eles. Passei muito tempo com John, nunca fiquei menos do que impressionado.

“Ele é uma das três ou quatro pessoas na minha vida que me moldaram.”

Depois que A Hard Day’s Night foi lançado, Lester trabalhou com os Fab Four uma segunda vez para produzir Help! em 1965 e em 1967,com John Lennon o filme How I Won The War "Como Ganhei a Guerra". Help ! foi o primeiro filme da banda em cores.

A Hard Day’s Night foi um grande sucesso para os Beatles e Richard Lester.

Após seu lançamento, o filme foi indicado a dois Oscars - um de Melhor Roteiro e outro de Melhor Trilha Sonora.

Em 1971, ela havia acumulado espantosos US $ 11 milhões em todo o mundo, o que hoje é de aproximadamente US $ 70 milhões.

Em 1999, o BFI classificou-o como o 88º maior filme britânico do século XX.

source: Express UK e NME

Grammy só deu valor ao trabalho de John Lennon depois de sua morte

Em 1964, os Beatles ganharam o Grammy como Melhor Artista Novo e um segundo por "A Hard Day’s Night" (Melhor Performance de um Grupo Vocal).

Depois disso, o Grammy foi um caso de sucesso ou fracasso para os Beatles. A banda foi excluída na cerimônia de 1965, apesar de cinco indicações; Rubber Soul (1965) não recebeu um único aceno de cabeça; “Michelle” ganhou a Canção do Ano em 1966; então o Sgt Pepper ganhou o Álbum do Ano em 1967.

Após a separação dos Beatles em 1970, a imprevisibilidade continuou a reinar na noite do Grammy para os ex-Fabs. Esse foi certamente o caso de John Lennon, que não recebeu uma única indicação para Imagine (1971). Na verdade, Lennon faleceu sem ver um Grammy por seu trabalho solo.

No que diz respeito à carreira solo, Lennon teve um início brilhante com Plastic Ono Band (1970). Esse álbum trazia “Mother”, “God” e “Working Class Hero”, entre outras faixas. Embora muitos críticos o tenham classificado entre os melhores álbuns do ano, Lennon não recebeu um único Grammy por seu esforço.

A história se repetiu após o lançamento de Imagine em 1971. Cinquenta anos depois, a faixa-título desse álbum é considerada uma das maiores canções do século 20. Os eleitores do Grammy não viam dessa forma, no entanto. Nem "Imagine", nem "Jealous Guy", nem "Oh Yoko!" recebeu um aceno de Grammy.

Depois disso, é improvável que Lennon (ou qualquer pessoa) esperasse nomeações por seu trabalho em Some Time in New York City (1972), Mind Games (1973) ou Walls and Bridges (1974). Essa teria sido a abordagem correta, já que todos os três LPs de Lennon iam e vinham sem nenhum sinal do Grammy.

Quando as indicações ao Grammy de 1981 chegaram, Lennon tinha três no quadro. Um veio para o álbum que ele e Yoko Ono produziram (Álbum do Ano); o segundo veio para “(Just Like) Starting Over” na categoria Disco do Ano [Single]; e o terceiro veio para o título “Double Fantasy” na categoria de Melhor Performance Vocal Pop Masculino.

Essa seqüência teria continuado se Lennon tivesse vivido para ver o Grammy Awards de 1981? 

John e Yoko ganharam o Grammy de Álbum do Ano por Double Fantasy na cerimônia de 1981. Esse continua sendo o único Grammy que Lennon recebeu por seu trabalho como artista solo.

Em 1984, Lennon recebeu outra indicação póstuma ao Grammy por "Heart Play Unfinished Dialogue)" na categoria de Melhor Palavra Falada ou Gravação Não Musical. E sua história com o Grammy termina com um prêmio pelo conjunto da sua obra em 1991.

source: Cheat Sheet

Em "McCartney 3,2,1", Paul contou algumas histórias das composições dos Beatles

Nos 6 episódios do documentário McCartney 3,2,1,exibido dia 16 no HULU,Paul contou,a maior parte,sobre as composições com os Beatles com Rick Rubin.

John Cage inspirou “A Day in the Life”

Se você já viu alguma das apresentações de Paul McCartney pós-Beatles, sabe o quanto ele gosta de tocar "A Day in the Life". Por que não? É uma das músicas mais influentes e importantes já gravadas.

A faixa foi escrita e formatada originalmente por John Lennon, mas seu arranjo épico foi composto principalmente por McCartney. No documentário, o ex-Beatle toca na inspiração para o banquete de sons de "A Day In the Life". “Naquela época, eu ouvia muita música de vanguarda”, disse McCartney a Rubin. "Eu estava em Londres. Eu estava saindo. Estávamos ficando bastante artísticos ... Eu estava lendo sobre compositores malucos como John Cage. Os conceitos eram muito libertadores. ”

A série então corta para um clipe de Cage interpretando sua famosa peça “Water Walks” em um game show dos anos 1960. Na performance de Cage, você pode ouvir os muitos sons cacofônicos e febris, acordes atonais que compõem a seção intermediária agitada da música como tons isolados. É como olhar para um raio-x de "A Day In The Life".

Ringo tinha um jeito engraçado com as palavras

Felizmente, McCartney não ignora as contribuições massivas de Ringo Starr para a obra dos Beatles. Além de ser o Beatle mais suave, ele também era o mais engraçado - embora nem sempre de propósito. “Ring é um cara muito engraçado”, diz McCartney. “Ele costumava dizer essas impropriedades ou o que seja ... ele simplesmente tinha uma aptidão para dizer algo que estava um pouco errado, mas parecia certo.

Muitos Ringo-ismos, como McCartney os chamou, se transformaram em títulos de músicas. Isso é verdade para "A Hard Day’s Night" e "Tomorrow Never Knows", que Ringo evidentemente murmurou em resposta a Lennon perguntando como a banda iria lidar com uma situação particularmente estressante. “Bem, eu não sei. Amanhã nunca se sabe ... ”.

Paul McCartney valorizou o elogio de John Lennon

“As pessoas dizem 'Qual é a sua música favorita?' E estou meio tentado a dizer 'Yesterday' porque a escrevi de forma tão mágica, mas gosto dessa”, diz McCartney, sobre a faixa outra faixa “Here, There and Everywhere ” McCartney então revela que uma das razões pelas quais ele gosta tanto é porque John Lennon também gostou.

Em uma passagem comovente da série, McCartney reflete sobre como montar a faixa enquanto espera John se juntar a ele para uma sessão de composição. “Ele nem sempre estava pronto, digamos,” McCartney diz enquanto emite uma risada silenciosa. Quando Lennon finalmente apareceu, McCartney mostrou a ele a música. "Lembro-me dele dizendo 'Oh, eu gosto desta.' E você sabe o que ... isso foi o suficiente. Foi um grande elogio vindo de John. ” O que sua memória revela é que, apesar de suas várias dificuldades, McCartney valorizava e ainda valoriza as opiniões de seu colega de banda, às vezes até mais do que as suas.

“Come Together” começou como uma cover de Chuck Berry

Chega um ponto na vida de cada ouvinte de música quando eles percebem que praticamente tudo o que já ouviram pode ser rastreado até Chuck Berry. “Come Together” dos Beatles não é exceção. Indiscutivelmente a faixa mais funky dos Beatles, “Come Together” começou como uma música country vibrante e rítmica. No episódio cinco da série, McCartney relembra sua reação ao ouvir "Come Together" de Lennon pela primeira vez. “Essa é uma música do Chuck Berry!” ele disse.

McCartney reconheceu imediatamente vindo da "You Can't Catch Me" de Berry na composição de Lennon e insistiu que eles o retrabalhassem para criar algo mais distante do original. Esta foi uma boa decisão. “Come Together” é melhor por causa da intervenção de McCartney. É elegante e pantanoso, e sua abordagem de baixo para frente representa um dos experimentos mais explícitos dos Beatles com r & b contemporâneo. A linha de baixo isolada que abre “Come Together” é um riff no estilo sincopado do lendário baixista da Motown James Jamerson.

Eric Clapton foi o primeiro não-Beatle a aparecer em um disco dos Beatles

Antes de Eric Clapton ser Eric Clapton, ele era amigo de George Harrison, e o Beatle espiritualmente inclinado era um bom amigo do guitarrista principal de Cream. Harrison trabalhou em “While My Guitar Gently Weeps” por meses. Ele estava profundamente envolvido em sua criação. Por isso, é especialmente gentil que ele convidou Clapton para gravar o solo de guitarra inesquecível que penetra no meio da faixa.

“Foi muito generoso da parte de George dar a Eric este momento em que ele poderia tê-lo para si”, lembrou McCartney. “Mas George era muito assim. Ele era muito aberto. ” O solo de Clapton em "While My Guitar Gently Weeps" marca a primeira ocasião em que um não-Beatle aparece em um disco dos Beatles. Nas décadas seguintes, Harrison e Clapton se reuniram em várias ocasiões para tocar "While My Guitar Gently Weeps", muitas vezes dividindo o solo.

Comentário:

Na verdade,George cansado de ver a falta de vontade de Paul e John em suas gravações,chamou Eric Clapton para ajudar.

source: Esquire

Paul McCartney escreveu a ‘Another Girl’ em um banheiro na Tunísia

A música ‘Another Girl’ está no álbum Help! e foi composta quase exclusivamente por Paul McCartney e gravada em fevereiro de 1965.

Um dia antes do início das gravações do novo álbum, Paul havia retornado de Hammamet, na Tunísia.

Não é uma coisa incomum, exceto que McCartney estava lá com a ajuda do governo britânico. McCartney e o resto da fama da banda haviam crescido tanto que se tornou um perigo real ser deixado sem supervisão. Da mesma forma, o governo britânico rapidamente se juntou à banda como britânicos com uma grande influência. Como tal, Paul recebeu as chaves da vila da embaixada no litoral.

Isolada e protegida, a vila era o lugar perfeito para McCartney relaxar e deixar sua mente vagar. “Você estaria sentado lá tomando uma xícara de chá quando a delegação russa seria mostrada pelo governo”, lembrou McCartney sobre a experiência. “Você não tinha nenhum controle sobre isso. ‘Este é um dos nossos convidados culturais’. ‘Olá, como vai você?’ ”

Paul e Jane na Tunísia em 04 de fevereiro de 1965

Como ele tinha feito em Liverpool, foi no banheiro que McCartney encontrou sua inspiração - usando a acústica da sala para ajudá-lo a formular algumas canções. Decorado com azulejos islâmicos tradicionais, o local era perfeito para ele. Dizem que a música foi escrita sobre o relacionamento de McCartney e sua namorada Jane Asher, com muitos sugerindo que a frase "She’s sweeter than all the girls and I’ve met quite a few/Ela é mais doce do que todas as garotas e eu conheci algumas".Não há dúvida de que McCartney era apaixonado pela música, mas isso não impediu que a faixa ganhasse a reputação de ser uma música "preenchedora".

“É um pouco de exagero chamá-las de preenchedoras porque acho que eram um pouco mais do que isso”, lembrou McCartney, destacando que nenhuma música dos Beatles foi gravada com tanto cinismo. “Cada uma delas passou no teste dos Beatles. Todos nós tínhamos que gostar. Se alguém não gostou de uma de nossas músicas, ela era vetada. Pode ser vetado por uma pessoa. Se Ringo dissesse: ‘Não gosto desse’, não faríamos, ou teríamos que realmente persuadi-lo. ”

source: Far Out Magazine

A música ‘Maxwell’s Silver Hammer’ que todos os Beatles desprezavam

 Photo Linda McCartney

A música ‘Maxwell’s Silver Hammer’,com o seu compositor Paul McCartney que exigiu e testou muito da paciência dos outros 3 membros da banda.Demorou horas e horas de sessões com o baixista, mesmo contratando um engenheiro de estúdio para sair e buscar uma bigorna de ferreiro como parte do processo de produção. Mesmo depois disso, o cantor ainda não estava feliz, “A pior sessão de todos os tempos foi‘ Maxwell’s Silver Hammer ’,” o geralmente afável Ringo Starr disse à Rolling Stone. “Foi a pior faixa que já tivemos de gravar. Isso durou semanas.

John Lennon havia retornado cautelosamente ao estúdio após um acidente de carro quase fatal ao lado de sua parceira Yoko Ono. Isso significava que o cantor tinha um pouco mais de liberdade para deixar o estúdio quando necessário e muitas vezes aproveitava a chance. Ele não precisou de nenhum convite extra durante esta sessão meticulosa e foi rápido em deixar as gravações estranhas o mais rápido possível.

“Eu odiava”, disse John Lennon a David Sheff para a Playboy em 1980. “Tudo que lembro é da faixa - ele nos obrigou a tocá-la cem milhões de vezes”. Ele foi rápido em mirar na qualidade da faixa também: “Ele fez de tudo para torná-la um single e nunca foi e nunca poderia ter sido. Mas [Paul] colocou licks de guitarra nela e ele teve alguém batendo em peças de ferro e nós gastamos mais dinheiro naquela música do que qualquer uma delas em todo o álbum. ”

George Harrison ficou igualmente impressionado com a faixa e já havia lutado com McCartney sobre muitas composições de músicas diferentes - na verdade, era parte da razão pela qual Harrison havia deixado a banda de vez em quando. “Às vezes, Paul nos fazia tocar essas músicas realmente escabrosas”, disse ele a Crawdaddy de acordo com The Beatles Bible na década de 1970. “Quer dizer, meu Deus,‘ Maxwell’s Silver Hammer ’era tão escabrosa”

Apesar da crescente frustração com a faixa, McCartney permaneceu positivo na época de sua gravação. “Foi a melhor peça de rádio que já ouvi na minha vida, e a melhor produção, e Ubu foi tocado de forma tão brilhante”, disse ele no livro de Barry Miles, Many Years From Now. “Foi apenas uma sensação. Essa foi uma das grandes coisas do período para mim ”, proclamou Paul.

No mesmo livro, que foi escrito pelo amigo íntimo de McCartney, o Beatle tentou apoiar o material e ofereceu um olhar mais aprofundado sobre a formação da faixa: “Miles e eu costumávamos falar muito sobre a sociedade patafísica e alcoolismo. Então, coloquei isso em uma das canções dos Beatles, ‘Maxwell’s Silver Hammer’ ”, disse ele, antes de explicar o conteúdo lírico de ‘Joan was quizzical, studied pataphysical science in the home… ’-“ Ninguém sabe o que significa; Eu só expliquei para Linda outro dia. Essa é a coisa linda sobre isso. Eu sou a única pessoa que já colocou o nome da patafísica nas paradas de sucesso, vamos lá! Foi ótimo. Eu amo esses pequenos toques surreais. ”

No entanto, com o passar dos anos, Paul confessou que a faixa errou o alvo: “'Maxwell's Silver Hammer' foi minha analogia para quando algo dá errado do nada, como tantas vezes acontece, como eu estava começando a descobrir naquela época da minha vida ”, comentou mais tarde. “Eu queria algo simbólico disso, então, para mim, era algum personagem fictício chamado Maxwell com um martelo de prata. Eu não sei por que era prata, apenas soava melhor do que o martelo de Maxwell. Era necessário para a digitalização. Ainda usamos essa expressão mesmo agora, quando algo inesperado acontece. ”

source: Far Out Magazine

John Lennon gostou mais de uma música de Elvis Presley do que todas dos Beatles

John Lennon é um dos músicos mais aclamados de todos os tempos, no entanto, ele sentiu que os Beatles não fizeram uma música tão boa quanto uma das faixas mais famosas de Elvis Presley. Além disso, Ringo Starr tinha fortes sentimentos sobre a música de Elvis em questão. Aqui está uma olhada em como os membros dos Beatles se sentiram em relação a uma das canções mais famosas do Rei do Rock ‘n’ Roll.

Em 1968, John deu uma entrevista a Jonathan Cott da Rolling Stone. Ele discutiu tudo, desde The Waste Land, de T. S. Elliot, ao movimento black power e Bob Dylan.

Durante a entrevista, Cott disse que os Beatles estavam tentando fugir de seus discos antigos. “Bem eu gostaria de fazer um álbum como ‘'Some Other Guy” de Richie Barrett , revelou John. “Eu não fiz nenhuma que me satisfaça tanto quanto aquela que me satisfez. Ou [Gene Vincent] 'Be-Bop-A-Lula' ou [Elvis]' Heartbreak Hotel 'ou [Little Richard]' Good Golly, Miss Molly 'ou [Jerry Lee Lewis] 'Whole Lot of Shakin'. ' Não estou sendo modesto. Quer dizer, ainda estamos tentando. "

De acordo com o livro Elvis Presley: The Man. The Life. The Legend., John teve uma forte reação à música ao ouvi-la pela primeira vez. “Quando ouvi 'Heartbreak Hotel' pela primeira vez, mal consegui entender o que estava sendo dito”, ele revelou. “Foi só a experiência de ouvi-la e ficar com os cabelos em pé. Nunca tínhamos ouvido vozes americanas cantando assim. Eles sempre cantaram como [Frank] Sinatra ou enunciam muito bem. De repente, há esse soluço caipira no eco da fita e todas essas coisas de blues acontecendo. E não sabíamos sobre o que Elvis estava cantando ... Levamos muito tempo para entender o que estava acontecendo. Para nós, soou como um barulho ótimo ”

John não foi o único Beatle a expressar admiração por "Heartbreak Hotel". O livro The Ringo Starr Encyclopedia diz que Ringo citou o sucesso como um de seus discos favoritos durante uma entrevista para uma rádio britânica em 1974. Outros discos que ele citou como favoritos incluem "You Are the Sunshine of My Life" de Stevie Wonder, "Everything I Do Has to Be Funkin ' de Leo Dorsey , "Something Else" de Eddie Cochran e "Strange Brew" do Cream.

source: Cheat Sheet

Paul McCartney diz que ainda tem "canções de história" no estilo de "Eleanor Rigby" que não lançará

Paul McCartney disse que ainda tem várias outras "canções de história" escritas no mesmo processo de Eleanor Rigby que ele ainda não lançou.

Em uma entrevista para a edição de setembro de 2021 da revista Uncut, McCartney explicou que ainda tem algumas “canções de história” armazenadas, embora possam nunca serem lançadas.

“Ainda tenho algumas que não lancei”, disse McCartney. “Porque eu não acho que são tão boas.”

Ele acrescentou: “É uma coisa muito divertida de fazer, apenas sonhar com o nome de um personagem e tentar escrever a história desse personagem e, em seguida, encaixá-la com outro personagem. Eleanor Rigby, fiz isso com apenas alguns. Padre McKenzie e Eleanor. ”

McCartney também comentou sobre a forte recepção pública de Eleanor Rigby, dizendo que acha que é devido ao seu tom mais sombrio.

“Com minhas canções de história, muitas delas, além de Eleanor Rigby, tendem a ser comédia”, disse ele. “Sou eu fazendo a coisa irônica, enquanto Eleanor Rigby era mais séria. Acho que é por isso que teve mais sucesso. ”

Em outras notícias dos Beatles, o diretor Peter Jackson falou sobre The Beatles: Get Back, sua próxima série de documentários sobre os Fab Four, dizendo que os fãs podem se surpreender com o quão “íntima” sua filmagem será. “A música não está na vanguarda deste filme: estranhamente, é o que se passa por trás da música na vanguarda”, disse ele.

Source: Guitar

A espaçonave Lucy da NASA levará palavras de Einstein, Carl Sagan e dos Beatles para o espaço

A primeira missão da NASA aos asteróides de Tróia associados ao planeta Júpiter levará algumas palavras destinadas a inspirar a humanidade em um futuro distante. A espaçonave Lucy está programada para ser lançada em outubro de 2021 e recentemente foi equipada com uma placa que funcionará como uma cápsula do tempo.

Enquanto Lucy que recebeu o nome do esqueleto fóssil de um ancestral humano, o apelido também foi inspirado na canção clássica dos Beatles, Lucy in the Sky with Diamonds, de 1967. A placa da espaçonave está inscrita com citações dos membros da banda John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr e George Harrison.

Estas são as palavras que carregará:

"E no final, o amor que você recebe é igual ao amor que você faz." - Paul McCartney

"Todos nós brilhamos ... como a lua, as estrelas e o sol." - John Lennon

"Paz e amor." - Ringo Starr

"Quando você enxergar além de si mesmo, poderá descobrir que a paz de espírito está esperando lá." - George Harrison

Os Beatles são acompanhados por outras pessoas famosas. A placa inclui citações de Albert Einstein, poeta Joy Harjo, autor Kazuo Ishiguro, Martin Luther King Jr., Brian May, Yoko Ono, Carl Sagan e outros.

Você pode ler todas as citações no site da missão Lucy e ouvir algumas delas lidas por seus criadores em um vídeo da NASA. Ringo Starr até aparece, dizendo: "Lucy está voltando para o céu com diamantes."

Caso o video não abra,CLIQUE AQUI!HERE!

As aventuras de Lucy o levarão a uma série de asteróides fascinantes que viajam no caminho de Júpiter. A NASA disse que os asteróides "são considerados remanescentes do material primordial que formou os planetas externos". A espaçonave estudará esses objetos para que possamos aprender mais sobre a história de nosso sistema solar e as origens dos planetas.

A NASA está pensando no futuro para a placa, até quando nossos descendentes, daqui a muitos milênios, possam encontrar a espaçonave Lucy ainda se movendo pelo espaço.

"Depois que Lucy terminar de visitar um número recorde de asteróides para uma única missão em 2033 (oito asteróides em seis órbitas independentes ao redor do Sol), a espaçonave Lucy continuará a viajar entre os asteróides de Tróia e a órbita da Terra por pelo menos centenas de milhares , senão milhões de anos ", disse a agência espacial em um comunicado na segunda-feira.

source: CNET

Norman Smith,de engenheiro a cantor e quase compositor dos Beatles

 Norman Smith com os Beatles na mesa

O engenheiro de som Norman Smith estava certamente na vanguarda do sucesso da banda e fez parte do processo de gravação de mais de 100 músicas dos Fab Four. Trabalhando como engenheiro para a EMI, o último trabalho de Norman Smith com a banda veio no Rubber Soul em 1965.

Mas não começou tão fácil: “Tive que começar bem do fundo, como serviçal, mas mantive meus olhos e ouvidos abertos, aprendi muito rápido e não demorou muito para chegar à mesa de mixagem . Naquela época, todo artista em potencial que chegava precisava fazer um teste de gravação, e foi isso que começamos a fazer como engenheiros, porque não podíamos realmente estragar nada. Normalmente, cada um dos produtores da EMI tinha seus próprios assistentes e eles eram os únicos a ficar de olho no talento em potencial, e isso é o que eu estava fazendo quando um dia apareceu esse grupo com cortes de cabelo engraçados. ”

Smith permaneceu com a banda desde seu primeiro teste de artista em 1962 até as sessões finais do Rubber Soul antes de partir para se tornar um produtor sênior, lançando o segundo e quarto álbuns do Pink Floyd. Smith até mesmo teve uma carreira paralela como artista, lançando várias canções sob o pseudônimo de "Hurricane Smith",sucessos como "Don't Let It Die". No entanto, foi durante seu tempo com os Beatles que ele ganhou seu apelido mais universal - “Normal”.

Norman Smith com George Martin

Concedido a ele por John Lennon, Norman Smith recebeu o apelido de "Normal" por Lennon e pelo grupo por seu comportamento imperturbável e direto. É o tipo de apelido que só se dá a um amigo e a aceitação da banda certamente o colocou no caminho de seu próprio sucesso. “Todos nós nos demos muito bem. Eles costumavam me chamar de 'Normal' e, ocasionalmente, '2dBs Smith' porque em algumas ocasiões eu pedia a um deles para diminuir seu amplificador de guitarra alguns decibéis ”, lembrou Smith a Mark Lewisohn para The Complete Beatles Recording Sessions .

Smith se tornou uma parte próxima da máquina dos Beatles e quase contribuiu com uma música para o álbum Help !. “Escrevo canções desde pequeno e, em 1965, escrevi uma com John Lennon em mente”, lembrou Smith a Lewisohn. “Eles estavam chegando ao fim do Help! e precisavam de mais uma música. George Martin e eu estávamos na sala de controle esperando que eles se decidissem e eu disse: 'Eu sei que eles já ouviram tudo isso antes, mas por acaso tenho uma música no bolso'. e diga a eles. 'Mas eu estava muito nervoso, então George gritou:' Paul, você pode subir? Norman tem uma música para você. _ Paul parecia chocado. 'Sério, Normal?' - esse era um dos apelidos deles para mim - 'Sim, sério.'

“Então nós fomos para o estúdio três e eu sentei ao piano e toquei a música”, continuou Smith. “Ele disse 'Isso é muito bom, posso ouvir John cantando isso!' Então, levantamos John, ele ouviu e disse: 'Isso é ótimo. Vamos fazer isso. "Paul me pediu para fazer uma versão demo, para todos aprenderem. Dick James, o editor musical, estava lá enquanto tudo isso acontecia e antes de irmos para casa naquela noite, ele me ofereceu £ 15.000 para comprar a música imediatamente. Eu não conseguia falar, mas olhei para George e seus olhos estavam se voltando para o teto, significando 'peça mais'. Então eu disse ‘Olha, Dick, falarei com você amanhã sobre isso’.

George Martin,Paul McCartney e Norman Smith na mesa

“Eu fiz a demo, mas no dia seguinte os Beatles chegaram parecendo um pouco envergonhados, rostos compridos. _Olá, Norm. _ Eu pensei, hmm, eles não estão tão animados quanto eu, o que há de errado? Com certeza, Paul e John me chamaram ao estúdio e disseram ‘Olha, definitivamente gostamos da sua música, mas percebemos que Ringo não tem um vocal no LP, e ele precisa ter um. Faremos o seu outra hora, ok? "Então lá se foi £ 15.000 em um piscar de olhos. No LP seguinte, eles progrediram tanto que minha música nunca mais foi considerada. ”

Norman Smith

Isso não seria o fim de Norman “Normal” Smith, no entanto. O engenheiro tinha uma carreira florescente pela frente, tanto como produtor quanto como artista. Quando teve a oportunidade de escrever suas memórias, o livro John Lennon Called Me Normal. Ele fez parte do processo de gravação dos Beatles, foi piloto de planador da RAF, produziu o trabalho do Pink Floyd,além de vários sucessos como cantor.

Norman Smith morreu em 2008.

source: Far Out Magazine

Video da música "Cosmic Empire" de George Harrison

Uma música inédita de George Harrison foi disponibilizada com um novo vídeo para marcar o 50º aniversário de seu primeiro álbum pós-Beatles, All Things Must Pass.

Intitulada “Cosmic Empire”, a canção é uma das 30 gravações iniciais incluídas na edição estendida do LP de 1970; 26 delas foram oficialmente lançados. 

As sessões do álbum começaram em maio de 1970, apenas seis semanas depois que a separação dos Beatles foi confirmada. “Dois dias foram gastos gravando 30 demos que estavam sendo consideradas” para o disco, a Capitol / UMe disse em um comunicado. “No primeiro dia, 26 de maio, Harrison gravou 15 canções apoiadas por Ringo Starr e seu amigo de longa data, o baixista Klaus Voormann, começando com 'All Things Must Pass'. No dia seguinte, 27 de maio, George tocou mais 15 canções solo para o coprodutor Phil Spector. "

Caso não abra o video,CLIQUE AQUI! HERE!

O filho de Harrison, Dhani, disse que o projeto do álbum estendido está em andamento há décadas. “Trazer maior clareza sonora a este disco sempre foi um dos desejos do meu pai, e era algo em que trabalhávamos juntos até ele falecer em 2001", explicou ele. "Agora, 20 anos depois, com a ajuda de novas tecnologias e o extenso trabalho de Paul Hicks, realizamos esse desejo e apresentamos a vocês este lançamento muito especial do 50º aniversário de talvez sua maior obra de arte. Todo desejo será realizado. ”

A edição do 50º aniversário de All Things Must Pass será lançada em 6 de agosto em uma variedade de formatos, incluindo caixas Super Deluxe em edições de oito LP e cinco CDs / Blu-ray com álbum de recortes e réplica de pôster e uma edição limitada chamada Uber Deluxe Box com dois livros, uma estatueta de Harrison, contas, álbum de recortes e um marcador de página cortado de uma árvore que cresceu em sua propriedade em Friar Park. Detalhes completos podem ser encontrados em www.georgeharrison.com.

source: Ultimate Classic Rock